时晓凡（英文名：Quentin Shih）
1975年生于天津，曾就读于东南大学自动化工程系及纽约视觉艺术学院（SVA）视觉影像专业。作为中国最优秀的商业摄影师之一，电影化团队及制作流程为他建立标志性的叙事化影像风格；作为影像艺术家，其摄影作品曾在包括北京尤伦斯（UCCA），巴黎欧洲摄影之家等美术馆展出，并被美国、法国及比利时等美术馆收藏。
多年来他一直与包括Vogue，迪奥，路易威登等最重要的时装及商业客户保持摄影及视频短片艺术项目合作，并能在作品中完美平衡艺术与商业。
采访、撰文（Q） | 翟红刚
摄影师（A）/时晓凡
Q：你是怎么开始接触摄影，并成为一位职业摄影师的？
A：我在东南大学自动化工程系毕业后来北京发展，一个偶然的机会开始给一家外国人创办的纯英文杂志《Beijing Eyes》做摄影师，这家杂志是《Time Out Beijing》的前身,有点像精品城市指南，总是报道一些奇奇怪怪很有趣的事物。通过这份工作，我接触、拍摄了很多地下摇滚乐队，这些都为我自己日后的摄影创作积累了一些资源。
我算是中国最早有个人网站的摄影师，在90年代我已经开始经营自己的个网，而且一直都是纯英文模式。国外的机构和平台他们想要找中国摄影师合作，他们只能搜索到我。所以像美国的《新闻周刊》、英国的《每日快报》都会不定期找我约稿。按照当时的生活开销，每次几百美金的稿费确实不菲。那时我就觉得，有幸能成为一位职业摄影师，是非常幸福的事。
时晓凡摄影作品
Q：你是如何去找寻自己创作风格的？
A：说实话，我们这代人的教育里没有什么视觉教育。我小时候家里的挂历都是些非常传统的明清山水画，真正的视觉启蒙是在大学时代。那时总爱赶时髦，去淘那些当“洋垃圾”进口的音乐卡带封面都是些酷酷的摇滚音乐人。所以在摄影上，我的启蒙不是安塞尔.亚当斯、罗伯特.卡帕。我们那个年代“酷”是很重要的标准，这就是我们的态度，一定要和主流反着走。时尚摄影本身是最接近这种态度的，自然风格也是这样。
《似曾相识》，时晓凡
Q：直观上你早期的视觉语言非常直接，而后的创作包括《似曾相识》、《La Habana in Waiting》 视觉风格有明显变化，在摄影创作上有哪些观念的转变影响了你？
A：以前我很在意作品的技术处理是否完美，但每次展览的时候，总会有人问我：你是怎么拍出来的？这个技术是怎么处理的？这些问题让我很不舒服，因为我觉得作品的主题被忽视了。我开始感受到“技术是个障碍”，它有时候会阻碍作品与人之间的交流和艺术家的自我表达，让人忽视你真正想说的。
《哈瓦那》， 时晓凡
Q：为什么选择在事业发展的高峰期出国留学？在美国的八年对给你带来了哪些影响和转变？
A：09年我太太去纽约帕森斯设计学院留学，我也参与了纽约视觉艺术学院一个为期一年的学术交流项目。98年大学毕业到09年出国，这十年我在摄影上的发展非常顺利，那时我已经给很多时尚大牌掌机，包括与迪奥合作拍摄了《玻璃箱里陌生人》。但我觉得自己其实一直是在消费大学时的知识储备，包括听的音乐，看的书都没有太多变化，所以那个时间点我需要去海外沉淀，需要摄入新的知识。
时晓凡摄影作品
由于我出国前已经有足够的经济积累所以在纽约的日子我过得清闲，每天可以看书、逛画廊、买画册、听唱片，并且我开始重新思考摄影不同于其他艺术的本质。
Q：在纽约那些年的探索，关于摄影的本质你得出的结论是什么？
A：我很喜欢罗兰·巴特的一句话，摄影就是“曾经存在过”。摄影是不同于绘画或者其它一切艺术形式的媒介，它是独一无二的。比如我画一颗树，我今天完成和明天完成差别不大；但是摄影就不同了，我晚一天拍叶子可能就落光了。哲学上它是一种“此时此刻”的概念。在拍摄的那一刻，这张照片就被赋予了时间和空间的维度。
但是摄影作为一门艺术在中国的存在感不高，摄影对于大部分中国人的意义还是“记忆和纪念”，就像我们家庭相册里的全家福、旅行中的风景照。
时晓凡摄影作品
Q：促使拍照的动机是什么？是记忆吗？
A：“情感就是记忆，想象等于回忆。我发现我们拍照时的动机与映射现实毫无关系，我们仅仅是在现实中寻找一些似曾相识的影像。这让我拿起相机不断前行，像是一个幽灵寻找她不可回到的前身，期盼着在某个时刻、某个地点、和记忆深处的某个影像再次重逢。”我在阐述里写的这段文字，可以作为这个问题的答案。每个人的记忆都承载着一个独特的自我，拍照就是寻找记忆的过程，因为我们不会有兴趣去拍摄记忆中没有的东西。所有的视觉艺术都是在与死亡对抗，与正在消退的记忆对抗。
《似曾相识》，时晓凡
Q：你一直都是用导演摄影（Stage Photography）的方式拍摄吗？
A：我一直都是用导演摄影创作，通常都是按电影剧组创作的规格，你看到照片里所有的物件、灯光的设置，都不是随意的，都是我精心设计过的。我觉得每个摄影师的“词汇量”是不同的，摄影师都是在用自己所拥有的词汇量拍照。我比较幸运，一直都是和中国最顶尖的制片团队合作，能够拿到非常充裕的经费去创作，能够允许我像拍电影一样去拍照。
《哈瓦那》， 时晓凡
Q：你的作品风格强烈，给人的直观印象是充满情绪的叙事和戏剧化的色彩，你是怎么形成自己标志性的风格的？
A：我觉得一位成功的商业摄影师，要经历几个阶段的成长。第一个阶段是要有国际视野，你得知道什么是好的。第二个阶段是你要形成自成一派的风格，不管是在技术上、还是在主题上。在这个阶段我们可以寻找自己创作的灵感, 比如爱德华.霍普（Edward Hopper）的绘画给了我不少启发。第三个阶段，我觉得是最难的，只有艺术家才能干，就是要有personal statement（个人阐述）。即使是拍商业广告，也要有摄影师的个人阐述，能到第三个层次的摄影师都是凤毛麟角。说白了必须得是以做艺术创作的方式来拍商业摄影，才能不断强化、体系化自己的风格。
Q：有不少职业摄影师都在尝试艺术创作， 但仍然难以脱离商业气息，你怎么看待这种状态？
A：我觉得摄影师在做艺术创作的时候要跨过两个坎。第一个坎：认为艺术只是一个idea，是一个创意项目，把这个创意完成就是创作了；第二个坎：太在意技术是否精湛完美，被“形式主义”束缚想法。艺术还是应该更多元化，应该关注“我是谁”，而不是“他们是谁”。与观众有关的线索才是观众希望看到的，也是作品里能产生共鸣的。
时晓凡摄影作品
Q：未来有什么新的创作计划？
A：我现在准备筹备拍一部故事片电影，正在勘景。我希望能多去尝试一些新的事物。
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